Warum ist es so schwer, einen Track fertigzustellen? Wir erklären, wie Sie sich von der 4 befreien können

Jul 19, 2023

Verwandeln Sie Ihre unvollendeten Ideen schnell in veröffentlichungsreife Platten!

Unzählige elektronische Musiker leiden darunter, dass sie in einer Schleife stecken bleiben und endlos Ideen entwickeln, diese aber nie zu Ende bringen. Heute sind wir hier, um Ihnen dabei zu helfen, Ihre Schreibblockade zu überwinden und mehr Projekte als je zuvor abzuschließen.

Trotz all ihrer Flexibilität und Leistungsfähigkeit können unsere modernen, computerzentrierten Studioumgebungen oft die Produktivität ebenso behindern wie fördern. Der schiere Umfang und die Auswahl können überwältigend sein.

Wir haben Zugriff auf Millionen potenzieller Sounds, Software-Nachbildungen praktisch aller erdenklichen Ausrüstungsgegenstände, eine unbegrenzte Auswahl an Samples und Inspirationsquellen – alles kann endlos bearbeitet, in mehreren überarbeiteten Versionen gespeichert und sofort abgerufen werden. Es ist leicht, mit Auswahlmöglichkeiten und Informationen überlastet zu werden; Und dabei berücksichtigen wir noch nicht einmal die ablenkende Gefahr, die mit der ständigen Verbindung zum Internet und den sozialen Medien einhergeht.

Manche Musiker haben das Glück, diese Schwierigkeiten nur gelegentlich zu erleben, während sie für andere zu einem endlosen Kreislauf werden, der sie daran hindert, irgendetwas musikalisch Sinnvolles zu vollbringen

Dies sind nur einige der Faktoren, die zur berüchtigten „Schreibblockade“ führen können. Es ist kein Zustand, der ausschließlich Musikschaffende betrifft, aber er kann uns – insbesondere Soloproduzenten – auf spezifische und einzigartige Weise behindern. Zu den Symptomen gehören das Überarbeiten einer einfachen musikalischen Idee zu einem übertriebenen Durcheinander, das Aufgeben von Projekten, die zu 80–90 % abgeschlossen sind, um etwas Neues zu beginnen, oder kalte Schweißausbrüche und schlaflose Nächte bei der bloßen Aussicht, aus einem achttaktigen Loop eine sechsminütige Platte zu machen.

Manche Musiker haben das Glück, diese Schwierigkeiten nur gelegentlich zu erleben, während sie für andere zu einem endlosen Kreislauf werden, der sie daran hindert, irgendetwas musikalisch Sinnvolles zu vollbringen. Wie können wir uns darin üben, aus dieser Schleife auszubrechen und zu einem Künstler zu werden, der unvollendete Skizzen auf natürliche Weise zu vollständigen Veröffentlichungen entwickelt? Wie können wir einen Arbeitsablauf entwickeln, der es uns ermöglicht, unsere Grundideen auf natürliche Weise in zufriedenstellende Arrangements umzusetzen?

In diesem Artikel werfen wir einen Blick auf einige der Probleme, die Sie daran hindern, Musik zu Ende zu spielen, und diskutieren Strategien, wie Sie diese Probleme überwinden können.

Beim elektronischen Musikmachen gibt es bestimmte Bedingungen, die eine Schreibblockade zu einem besonderen Problem machen können. Um zu verstehen, warum, muss man bedenken, dass sich der Akt des Musikmachens in den letzten Jahrzehnten dramatisch verändert hat. In den frühen Tagen der Tonträgermusik – und in vielen Rock- und Pop-Bereichen immer noch üblich – waren mehrere Profis am kreativen Prozess beteiligt, von denen sich jeder auf eine bestimmte Rolle konzentrierte.

12 Künstler darüber, wie sie Schreibblockaden überwinden und Songs fertigstellen: „Der Punkt, an dem ich mich umbringen möchte, ist normalerweise ein guter Indikator dafür, dass der Titel fertig ist.“

Der/die Künstler selbst würden all ihre Anstrengungen in das Schreiben des Songs stecken, ein Studiotechniker wäre für die Aufnahme verantwortlich, jemand anderes könnte die einzelnen Tracks zusammenmischen und eine letzte Person würde die Aufnahme beherrschen und das fertige Produkt liefern. Möglicherweise alle unter der Aufsicht eines oder mehrerer „ausführender“ Produzenten. Jeder Einzelne konnte sich ohne Abweichungen voll und ganz auf die ihm zugewiesene Aufgabe konzentrieren, sei es kreativer oder technischer Natur.

Für viele moderne Musikschaffende sind diese getrennten Rollen mittlerweile zu einer einzigen verschmolzen. Einzelne Personen versuchen, jeden Teil des Musikherstellungsprozesses innerhalb derselben Studiositzung in Angriff zu nehmen und arbeiten an jedem Element eines Tracks, vom Schreiben über Sounddesign, Mixing, Arrangements, Mastering bis hin zum Artwork und der Logistik einer Veröffentlichung.

Dieser Alleskönner-Ansatz kann dazu führen, dass wir ständig die kreative Seite unseres Gehirns unterbrechen, indem wir die logische Seite unseres Bewusstseins überlassen

Das alles birgt eine unbestreitbare Freiheit, und es ermöglicht sicherlich vielen kreativen Künstlern, auf eine Weise zu glänzen, die ihnen in der traditionellen Welt der großen Studios und Plattenfirmen, aber mit diesem Alleskönner-Ansatz, durchaus ausgedrosselt werden könnte kann bedeuten, dass wir die kreative Seite unseres Gehirns (verantwortlich für die Generierung von Ideen, das Komponieren, Jammen und Arrangieren) ständig unterbrechen, indem wir zulassen, dass die logische/technische Seite unseres Bewusstseins die Oberhand gewinnt.

Um diesen Konflikt zu überwinden, sollten Sie sich Ihrer eigenen Gewohnheiten bewusst sein und die Sitzungen in gezielte „Jobs“ aufteilen: Wenn Sie beispielsweise kreativ jammen und komponieren, versuchen Sie nicht, jeden Sound sofort zu entzerren und zu komprimieren. Planen Sie auch eine spezielle Mix-Sitzung ein, sobald die kreativen Aufgaben abgeschlossen sind. Teilen Sie die Sitzungen auf und Sie werden in der Lage sein, die für diese Aufgabe erforderliche Geisteshaltung zu erreichen.

Arrangement 101: Wie man der 4-Takt-Schleife entkommt und Ideen in komplette Tracks umwandelt

Die Herausforderung der Solo-Kreativität besteht jedoch nicht nur darin, sich ablenken zu lassen. Ein kreativer Prozess, an dem mehrere Personen beteiligt sind, ermöglicht es uns auch, auf Ideen auf eine Weise zu reagieren, die allein nur schwer möglich wäre. Es ist viel einfacher, Ideen zwischen zwei oder mehr Leuten auszutauschen, als endlos alleine daran zu arbeiten. Aus diesem Grund bleibt die Zusammenarbeit mit anderen Kreativen neben den Taktiken, die wir auf den folgenden Seiten untersuchen, eine großartige Möglichkeit, Ihr musikalisches Schaffen zu steigern.

Ein gewisses Maß an Disziplin ist ebenfalls wichtig. Setzen Sie sich als Ziel eine festgelegte Anzahl von Stunden im Studio und tun Sie dann alles, was Sie können, um in dieser Zeit einen Track fertigzustellen. Konzentrieren Sie sich auf Geschwindigkeit und das „große Ganze“ in groben Zügen. Schalten Sie alle technischen Aspekte (Mischen, Synthesizer-Design usw.) aus und behalten Sie den Schwung bei, während Sie der Ziellinie entgegen rasen. Das Ziel besteht darin, einen Zen-ähnlichen Geisteszustand zu erreichen, in dem sich der Song quasi von selbst schreibt – etwas, das nur durch Übung und Disziplin erreicht werden kann.

Die regelmäßige Fertigstellung kreativer Projekte erfordert Selbstdisziplin. Versuchen Sie, diese Workflow-Regeln zu befolgen, um sich selbst zu motivieren.

Wenn Sie mit einem Projekt in eine Sackgasse geraten und es nicht über die Ziellinie bringen können, löschen Sie Ihre Arbeit nicht einfach. Stellen Sie sicher, dass Sie Ihre laufenden Projekte speichern und deutlich kennzeichnen, damit Sie später darauf zurückgreifen können.

Es ist erstaunlich, wie die Rückkehr zu etwas ein paar Tage, Wochen oder sogar Monate später dazu führen kann, dass man es aus einem neuen Blickwinkel betrachtet. Noch besser ist es, einzelne Elemente aus dem Projekt, wie Beat-Loops, Akkorde oder Riffs, herauszuspringen, damit sie später als Munition verwendet werden können.

Gewöhnen Sie sich im Gegensatz zum letzten Tipp vielleicht nicht an, jedes Projekt einfach wegzuräumen und am Ende eine Festplatte voller halbfertiger Titel zu haben, die immer größer wird. Setzen Sie eine feste Grenze für die Anzahl der Projekte, die Sie gleichzeitig unterwegs durchführen dürfen.

Legen Sie beispielsweise ein Maximum von zehn Projekten fest, die Sie behalten dürfen, und zwingen Sie sich, wenn Sie dieses Limit erreichen, dazu, eine bestehende Idee anzupassen oder zu Ende zu bringen, bevor Sie etwas Neues beginnen dürfen.

Die meisten von uns stellen fest, dass wir schneller und effizienter arbeiten, wenn wir auf eine Frist hinarbeiten. Dies kann es viel einfacher machen, einen Titel fertigzustellen, wenn man beispielsweise auf einen von einem Plattenlabel festgelegten Liefertermin hinarbeitet.

Auch wenn Sie unabhängig arbeiten, versuchen Sie, sich selbst Fristen durchzusetzen. Erstellen Sie Tracks speziell für einen Auftritt oder ein DJ-Booking oder versuchen Sie, jede Woche oder jeden Monat einen Track fertigzustellen. Seien Sie jedoch realistisch; Fristen können großartig sein, können sich aber auch negativ auf Ihre Aussichten auswirken, wenn Sie sie wiederholt verpassen.

Oftmals ist es viel einfacher, mit einem bestehenden fertigen Projekt zu beginnen und es neu zu ordnen, als etwas Neues zu schaffen. Versuchen Sie, mit einem Titel zu beginnen, den Sie zuvor abgeschlossen haben, und ihn als Grundlage für Ihren nächsten Titel zu verwenden.

Etwas kontraintuitiv kann dies tatsächlich eine großartige Möglichkeit sein, zu verhindern, dass Sie Ideen wiederholen. Die Regel, die Sie hier festlegen müssen, ist, dass sich Ihr neuer Track völlig von Ihrem Startprojekt unterscheiden muss, wodurch Sie gezwungen werden, Ihre vorherigen Sounds und Track-Elemente zu ändern.

Es kann leicht passieren, dass man sich mitten in der Produktion eines Tracks von einer neuen Idee ablenken lässt und am Ende das Gefühl der ursprünglichen Idee völlig verändert. Dadurch kann etwas Großartiges entstehen, es kann aber auch dazu führen, dass etwas Gutes verloren geht, nur weil es sich nicht mehr frisch anfühlt.

Vermeiden Sie dies, indem Sie vor Beginn einen Plan entwerfen, wie Ihr Track aussehen soll, zum Beispiel „130 BPM perkussives Techno-Tool“, „Beatless Synth Jam“, „Peak Time DnB“. Behalten Sie dieses ursprüngliche Ziel bei und legen Sie alle neuen Ideen, die sich dabei ergeben, für einen späteren Zeitpunkt beiseite.

Zu lernen, wie man Tracks konkretisiert, ist der Schlüssel dazu, ein Musiker zu werden, der jede Idee zu Ende bringt. Die meisten elektronischen Musiker haben schon erlebt, dass sie „auf dem Laufenden bleiben“; Einfache Phrasen mit 16 oder 32 Takten erstellen, dann aber die Motivation verlieren, diese in Arrangements in voller Länge umzuwandeln.

Schnelles Arbeiten ist entscheidend. Anstatt sich stundenlang einen geloopten Abschnitt anzuhören, kann es hilfreich sein, auch nur ein grobes Arrangement aufzuschreiben, um eine der größten Hürden bei der Fertigstellung des Titels zu überwinden

Machen Sie es sich zur Gewohnheit, zu Beginn Ihres kreativen Prozesses eine Vereinbarung zu skizzieren. Sobald Sie über ein paar grundlegende Bausteine ​​verfügen – zum Beispiel eine Akkordfolge und einen Basis-Beat – duplizieren Sie diese auf Ihrer Timeline, um die Grundlagen eines vollständigen Tracks zu schaffen. Löschen Sie Elemente nach Bedarf, um ein Intro, ein Outro und Breakdowns festzulegen. Teilen Sie Ihr Arrangement in 8-Takt-Abschnitte auf und kennzeichnen Sie diese farblich oder beschriften Sie sie zur leichteren Abgrenzung.

Ihr Ziel ist es nun, die Energie Ihres Tracks jedes Mal auf irgendeine Weise zu ändern, wenn Sie einen neuen Abschnitt erreichen. Als Faustregel gibt es drei Möglichkeiten, dies zu tun: ein Element hinzufügen, ein Element entfernen oder einen vorhandenen Sound ändern – zum Beispiel indem Sie das Instrument ändern, mit dem Sie Ihre Leadmelodie spielen, oder einen Teil Ihrer Basslinie nach oben oder unten verschieben Oktave.

Zu wissen, wann man etwas hinzufügt und wann man etwas wegnimmt, ist eine Frage der persönlichen Präferenz. Die klassische Methode, zumindest in der Tanzmusik, besteht darin, Energie aufzubauen, indem man bis zum Breakdown neue Elemente hinzufügt. Es gibt jedoch keinen Grund, nicht zu versuchen, die Erwartungen umzukehren oder mehrere Änderungen gleichzeitig vorzunehmen.

Ein wichtiger Schritt bei der Entwicklung eines Tracks besteht darin, festzulegen, welches Element den Schwerpunkt, den Hook, Ihres Tracks bildet. Dies sollte das markanteste Element Ihrer Komposition sein. In einem Pop- oder Rocksong ist dies normalerweise die Hauptstimme, aber wenn es um elektronische Musik oder Instrumentenmusik geht, kann die Hookline aus einer ganzen Reihe von Dingen bestehen, von einem Lead-Synthesizer-Riff bis zu einer Bassline oder sogar perkussiver oder experimenteller Ende der Tanzmusik, ein bestimmter Percussion-Sound oder ein rhythmisches Muster.

Unabhängig davon, in welchem ​​Genre Sie arbeiten, sollten Sie jedoch in der Lage sein, einen bestimmten Schwerpunkt für Ihren Titel zu identifizieren (selbst die atmosphärischste Musik wird wahrscheinlich einen bestimmten Klang oder eine bestimmte Textur in den Vordergrund stellen).

Der Grund, warum es wichtig ist, dieses zentrale Element zu identifizieren, besteht darin, dass es viele Ihrer Entscheidungen bei der Gestaltung beeinflusst. Beispielsweise wird Ihr Hook wahrscheinlich etwas sein, auf das Sie aufbauen möchten, was bedeutet, dass Sie ihn aus dem Intro und den Breakdowns Ihres Tracks entfernen können.

Es bietet auch die Grundlage für die Erstellung von Elementen wie Gegenmelodien. Wenn Sie beispielsweise ein absteigendes Synthesizer-Riff als Lead-Hook haben, versuchen Sie, eine Gegenmelodie zu erstellen, die durch dieselbe Tonleiter aufsteigt, mit einem Rhythmus, der um Ihre Lead-Linie herum arbeitet und nicht über ihr liegt. Wenn Sie dies nach zwei oder vier Wiederholungen Ihres Leads im Hintergrund einführen, können Sie ihm mehr Tiefe verleihen und Ihren Lead Hook frisch halten.

Wenn Sie die oben genannten Schritte befolgen, können Sie Ihre Ideen in ein grundlegendes Arrangement umwandeln, aber das Ergebnis wird wahrscheinlich eher statisch und abrupt klingen – wie eine Ansammlung aneinandergereihter Loops und nicht wie eine fertige Komposition. Der Schlüssel zur Änderung liegt in der Schaffung dynamischer Bewegungen sowohl innerhalb als auch zwischen den Abschnitten.

Der einfachste Weg, dies zu erreichen, ist die Verwendung von Übergangseffekten. Dabei handelt es sich um Dinge wie White-Noise-Sweeps, gepitchte Riser, Crashs oder umgekehrte Becken – Elemente, die am Anfang oder Ende eines Loops platziert werden können, um einen Pull-in oder Release zu erzeugen, der die Änderung in Ihrem Track anzeigt.

Versuchen Sie, in einer speziellen Studiositzung Ihr eigenes Paket mit benutzerdefinierten Übergängen zu erstellen, oder greifen Sie einfach nach einem der unzähligen verfügbaren vorgefertigten Beispielpakete

Wenn es darum geht, Arrangements zu entwerfen, kann es praktisch sein, einen Vorrat davon parat zu haben; Das Erstellen von Effekten von Grund auf kann ein umständlicher Prozess sein, der Sie beim Entwerfen Ihres Tracks verlangsamt. Selbst wenn Sie nur Platzhalter-Effekte verwenden, die Sie ersetzen möchten, wenn es darum geht, den letzten Schliff zu geben, trägt die Einrichtung eines Übergangs wesentlich dazu bei, Ihrem Arrangement das richtige „Gefühl“ zu verleihen, und könnte dabei helfen, die Elemente zu inspirieren müssen für den nächsten Abschnitt hinzugefügt oder entfernt werden.

Versuchen Sie, in einer speziellen Studiositzung Ihr eigenes Paket mit benutzerdefinierten Übergängen zu erstellen, oder greifen Sie einfach nach einem der unzähligen verfügbaren vorgefertigten Beispielpakete, wie diesem von SampleRadar.

Eine ebenso wesentliche Technik, um einem Arrangement Bewegung zu verleihen, ist die Automatisierung von Klangparametern und -effekten. Das offensichtlichste Beispiel hierfür ist die Automatisierung des Cutoff-Punkts eines Tiefpassfilters, um eine Lead-, Bassline- oder Akkordfolge mit zunehmender Länge des Tracks heller zu machen. Realistisch gesehen gibt es jedoch eine endlose Liste von Parametern, die angepasst werden können, um den Klang eines Tracks zu ändern und dynamische Spannung aufzubauen, wie zum Beispiel die Pulsbreite eines Synthesizers oder die Abklingzeit eines Halls oder die Rate eines LFO. Selbst subtile Klangveränderungen durch einfache Modulation können viel dazu beitragen, den Hörer fesseln zu lassen.

Versuchen Sie zum schnellen Arrangieren, einige Effektrückführungen mit einigen extremen Effekten einzurichten, die beim Erstellen von Aufbauten, Zusammenbrüchen und Übergängen helfen können. In-Your-Face-Reverbs oder Delays eignen sich hierfür hervorragend, ebenso wie Multieffekt-Tools wie Cableguys ShaperBox oder SugarBytes Effectrix.

Legen Sie frühzeitig fest: Bouncen Sie Plugins oder externe Instrumente als Audio, sobald Sie damit zufrieden sind, um endloses Basteln und Überarbeiten zu vermeiden. Wenn Sie später Änderungen vornehmen müssen, können Sie mit Effekten oder Bearbeitung kreativ werden.

Erleben Sie den Automatisierungsprozess selbst, indem Sie wichtige Parameter Ihrem bevorzugten MIDI-Controller zuordnen und Änderungen in Echtzeit durchführen.

Verwenden Sie Referenzspuren zum Erstellen von Arrangements. Laden Sie eine Veröffentlichung, von der Sie ein Fan sind, in Ihre DAW und notieren Sie, wo Builds, Ausfälle und wesentliche Änderungen vorgenommen werden.

Anstelle von Übergangseffekten kennzeichnen Sie Änderungen in Ihren Tracks durch Bearbeitungen des aktuellen Musters. Versuchen Sie, die Kick-Drum vor dem Wechsel für einen Takt wegzulassen oder Snare-Rolls zu erstellen, deren Tonhöhe und/oder Timing ansteigt.

Sobald die kreativen Hürden überwunden sind und Sie das Arrangement gemeistert haben, ist es an der Zeit, die skizzierten Ideen in einen fertigen Track umzusetzen. Doch der Prozess des Mischens eines Tracks und der Feinabstimmung der Sounds kann oft genauso entmutigend sein wie das Erstellen des Tracks selbst. Reduzieren Sie mit diesen zeitsparenden Tipps den Aufwand und die Mühe, die Sie beim Mischen Ihres nächsten Titels benötigen ...

Bevor wir uns mit den praktischen Mix-Tipps befassen, wollen wir zunächst einen grundlegenden Punkt klären: Wenn Sie wirklich Schwierigkeiten haben, einen Track zu mixen, ist es keine Schande, jemand anderen damit zu beauftragen. In der elektronischen Musik herrscht seit langem das fehlgeleitete Stigma, dass man, um ein „echter“ Produzent zu sein, jeden Teil der Track-Erstellung von Anfang bis Ende betreuen muss.

Viele talentierte und erfolgreiche elektronische Musiker beauftragen Dritte mit dem Mixen und Mastern ihrer Tracks

Die Wahrheit ist jedoch, dass selbst unter Profis nicht alle Fähigkeiten eines Musikers sowohl die kreativen als auch die technischen Aspekte des Musikmachens umfassen. Viele talentierte und erfolgreiche elektronische Musiker beauftragen Dritte mit dem Mixen und Mastern ihrer Tracks. Es ist kein Zugeständnis, sondern hat tatsächlich viele Vorteile, wenn ein zweites Paar Ohren an Ihrer Kreation arbeitet. Oft kann jemand, der „frisch“ zu Ihrem Track kommt, Probleme erkennen oder Ideen vorschlagen, die Sie aufgrund übermäßiger Vertrautheit mit dem Track übersehen haben.

Offensichtlich ist die Beauftragung eines Profis mit dem Mischen Ihrer Tracks mit Kosten verbunden, was viele unabhängige Musiker verständlicherweise von der Idee abhalten könnte. Es gibt jedoch mögliche Möglichkeiten, dies zu umgehen. Versuchen Sie, sich mit anderen, gleichgesinnten Musikern zu vernetzen und einen „Track-Tausch“ zu organisieren, bei dem jeder von Ihnen Mischberatung und Unterstützung anbietet.

Eine der schnellsten und effektivsten Möglichkeiten, Mischentscheidungen zu treffen, besteht darin, Ihre Arbeit mit gut produzierten kommerziellen Veröffentlichungen zu vergleichen, die Ihnen gefallen. Dies ist eine der besten Möglichkeiten, zu verstehen, wie Profis klangliche Konsistenz erreichen, und sich einen Maßstab zu setzen, an dem man beim Schreiben und Mischen von Clubmusik arbeiten kann.

Stellen Sie einen Pool an Referenztracks zusammen, laden Sie sie in Ihr aktuelles Mix-Projekt, wechseln Sie dann zwischen Ihrem Mix und den Referenztracks und vergleichen Sie sie dabei.

Da das Referenzieren heutzutage eine so akzeptierte Technik ist, möchten Sie den Prozess möglicherweise komfortabler gestalten, indem Sie in ein spezielles „Mix-Vergleichs“-Plugin wie Magic AB von Sample Magic, Reference von Mastering The Mix oder MCompare von MeldaProduction investieren. Sobald diese Plugins auf Ihren Master-Bus geladen sind, können Sie mit nur einem Klick mehrere Songs laden, Loop-Punkte einrichten und dann per A/B zwischen Ihrem DAW-Audio und den besagten Tracks wechseln.

Bei den meisten DAWs kann der Benutzer Effekt-Patches in irgendeiner Form kombinieren und speichern, beispielsweise mit den Audio-Effekt-Racks von Live oder den Channel-Strip-Presets von Logic. Verwenden Sie diese, um Kombinationen von Effekten zu erstellen und zu speichern, die Sie auf alle Anwendungsfälle anwenden können, die regelmäßig in Ihren Spuren auftauchen, z. B. Drum-Busse, Hilfseffekte oder Master-Verarbeitung.

Wenn Sie nicht sicher sind, wo Sie anfangen sollen, gibt es zahlreiche voreingestellte Ketten, die Sie online herunterladen können, sowohl kostenlos als auch kommerziell; und Ihre DAW selbst verfügt wahrscheinlich auch über einige anständige Voreinstellungen. Beachten Sie, dass diese Art von Effekten sehr kontextabhängig sind. Erwarten Sie also keine einheitliche Lösung von der Stange.

Es kann oft schwierig sein, mehrere räumliche Effekte in einer Mischung auszubalancieren, was oft dazu führt, dass sich das Ganze verwaschen oder matschig anfühlt. Eine effiziente Methode zum Ausbalancieren von Reverbs, die von einigen Profi-Ingenieuren bevorzugt wird, besteht darin, eine Kombination aus nur drei Reverb-Typen zu verwenden, die als Return-Effekte eingerichtet sind und jeweils auf unterschiedlich große Räume oder Reverb-Stile abzielen.

Der klassische Ansatz besteht darin, kurze, mittlere und lange Reverbs zu verwenden, typischerweise mit Abklingzeiten von etwa <1 s, 1-2 s bzw. >2 s. Es eignet sich auch gut zum Mischen von Halltypen; Algorithmus-Raumhall eignet sich gut für kurze Verben, Platten eignen sich hervorragend für mittelgroße Klänge und Hall-Reverb für längere Effekte. Senden Sie jedes Element der Mischung in unterschiedlichen Mengen an diese, um Platz zu schaffen.

Es gibt ein Minenfeld potenzieller EQ-Fehler, die den Klang Ihres Gesamtmixes erheblich beeinträchtigen können. Ein häufiges Problem ist der übereifrige Einsatz von Hoch-/Tiefpassfiltern auf einzelnen Kanälen innerhalb eines Mixes. Typischerweise ist es wünschenswert, Hoch-/Tiefpassfilter zu verwenden, um unerwünschte Frequenzen zu entfernen, um mehr Spielraum im Mix zu schaffen und die Klarheit einzelner Elemente zu erhöhen.

Es gibt ein Minenfeld potenzieller EQ-Fehler, die den Klang Ihres Gesamtmixes erheblich beeinträchtigen können

Dies kann eine großartige Technik sein, wenn sie sorgfältig und mit sanften Filtern angewendet wird; Allerdings bieten viele digitale EQ-Plugins viel steilere Filtertypen, wodurch die einzelnen Elemente des Mixes möglicherweise zu getrennt klingen. Eine gute Faustregel wäre die Verwendung von Filtern mit 12 dB/Okt. oder 18 dB/Okt. für Hoch-/Tiefpass-Arbeiten, da diese Einstellung Ihnen den besten Kompromiss zwischen der Entfernung unerwünschter Frequenzen und der Beibehaltung eines zusammenhängenden, musikalischen Klangs bietet.

Es ist auch wichtig, genau darauf zu achten, bei welcher Frequenz die Filter angewendet werden – das Herausfiltern zu vieler tiefer Frequenzen aus einzelnen Elementen kann beispielsweise zu einem dünn klingenden Mix führen, während eine übertriebene Tiefpassfilterung zu viel Luft entfernen kann, was zu einem übermäßig dumpfer Klang.

Ein guter Tipp ist, den Kanal, den Sie filtern, auf Solo zu schalten und genau zuzuhören, wie sich die Filter auf den Klang auswirken, bevor Sie sehen, wie der gefilterte Kanal im Kontext der gesamten Mischung klingt. Wenn der Gesamtklang dadurch stärker beeinträchtigt wird, als Ihnen lieb ist, versuchen Sie, die Filter etwas zurückzunehmen.

Versuchen Sie, unsere oben abgebildete Frequenzkarte zu verwenden, um ein Gefühl dafür zu bekommen, wo jedes Element im Frequenzspektrum liegen sollte.

Wenn Sie nicht mit einer Überwachung gesegnet sind, die tiefe Subbässe oder schimmernde hohe Frequenzen präzise wiedergibt, können Sie mit einem Frequenzanalysator wie dem hervorragenden (und kostenlosen!) SPAN von Voxengo den aus den Lautsprechern kommenden Ton mit einer visuellen Anzeige vergleichen was Ihre Tief-/Hochpassfilter tun.

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Ich bin Chefredakteur von Music Technology und arbeite mit Future Music, Computer Music, Electronic Musician und MusicRadar. Ich beschäftige mich seit über zwei Jahrzehnten mit Musiktechnologie in verschiedenen Formen. Außerdem habe ich die letzten 10 Jahre damit verbracht, zu vergessen, wie man Gitarre spielt. Finden Sie mich im Chillout-Raum bei Raves und beschweren Sie sich, dass meine Schlafenszeit schon vorbei ist.

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